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2009年的3月的一个充满寒意的早春，我漫步在798艺术区，脑海里思考着下一幅作品的题材，太多的东西我想去表现，但要理出一些成型的思绪却是费心的。
我的所有作品都力求一种高格调，而格调是很难体现的，它是清高的，是婉约的，是含蓄的，画面是唯美的。格调是需要修养的，社会阅历，生活品质，眼界的宽广等等这都是必备的条件。通过静物来实现这样的格调是一件不容易的事情。
一个小商店里的东西突然吸引住了我，那是一个摆在角落里的瓶子，里面插了很多残荷，枯萎的大叶子穿插着很多姿态各异的莲蓬，感觉很有味道，那是一种逝去的清高的美丽，即使繁花已不见，但它整体的感觉传达给我一种难得的激动，那是一种气质，而它正是我要找寻的。
我把它拿到室外，拍了很多照片，但如果作为创作那还不够条件，于是我把它买了下来，回到工作室重新摆放由此而产生了这一幅《荷》。
静物顾名思义就是静止的，但是我要将它们赋予活力，让它们具有生命，利用它们来传达出我的情绪。在这个喧嚣匆忙的时代里，我还在用古典的语言诉说我的心灵。
我的构图基本上都是传统的，古典的金字塔式构图，我不需要将物体摆放得多么花哨，
我通过稳稳地简单的构图形式，用统一和谐的色彩来传达出作品的感情。
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我画风很细腻，通过这种表现达到我的追求。不过我有我的准则：“写实是一种手段，而不是目的。我是在画油画，而不想当摄影家。”
1.起稿。
我制作了一幅相对较大尺寸的画布（120 X 95 cm），因为荷本身高度比较高，尺寸太小会显得压抑，无法表现出它挺拔的身姿，没有气势。我把背景设计为盛开的荷塘，那意味着它逝去的光辉，从而形成一种今昔的对比，就像我们的生命，充满了人生的起伏跌宕，每个阶段都有着不同的辉煌，来年又会散发新的光芒。
我的作品一般要分成4个步骤，起稿后上色要画3遍。
构图的时候注意主体与画布的比例大小，不能将顶部画的太高，要留出一定空间，这样才能有空间和透气感，画面也会舒服。
先用铅笔起稿，再用褐色勾勒物体轮廓，也可施以简单的素描。背景用群青勾勒出大致轮廓，以便和主体加以区分。
1.上第一遍色。
第一遍颜色主要是为了确定画面整体色彩倾向。脑子里已经有了大致的想法，那就是要表现一种清高的气质，最适合的是冷色调。这遍颜色不用亚麻仁油，只用少量的松节油。
不要想着试图用一遍就能画深入画细致，那是不可能有好效果的。我见过有的人急功近利一遍就画的很细致，可丧失了凝重感，更没有颜色层层渗透过来的微妙韵味，而且颜色及其容易剥落。我的画法是需要有耐心的，是有步骤性的，一定要严谨，对作品负责。
画颜色暗的地方不要试图一次就能画的很深，在这样浅色底子上是不可能的；也不要试图画的很均没有笔触，没必要，也不可能。
我在绘画过程中基本上不使用黑色，我在暗部追求一种透明的效果，而这暗部的颜色画的不能“闷”，要有颜色。比如你看到的是很深的黑色暗部，那么建议你用“梵高”的群青加“梵高”的深紫色来调和，出来的是一种蓝紫色，在未来的第2遍上色时在同一个部位再用这种蓝紫色，你就发现它变得很深了，而且很透明很有味道。尝试一下吧，会出乎你的意料的。
要有整体的意识，不要开始就从一点着手，要全局观察，铺颜色也是如此。画画这里再画画那里，这样能帮助你把控画面整体的冷暖和素描关系。
从深色的暗部入手，注意素描。不要过多考虑物体的细节，比如枝脉和微小的起伏等等。莲蓬的杆子铺设一层简单的熟褐色即可，这样既明确了主体的定位和颜色倾向也为未来第2遍打好了基础，这遍颜色会微妙的透出来，达到色彩的凝重效果。
物体的受光部分我一般都会画出比那里略深的颜色，这同样是为了未来提亮做准备。如果你想继续深入的话，那么就先画暗一些，不然你就会发现给你深入的空间少了很多，没有余地了。而且有一个常识，在本来就亮的地方上去画深色是比较费劲的，但是在深色上提亮是容易的。
这遍的颜色倾向可以画的“过”一些，鲜艳一些，不用考虑过多它们是否被你画得很花哨，这遍颜色有它的使命，完全是为了第2遍打基础。
我没有选择原本的花瓶，它是草编的，缺少体积和凝重感，也太工艺品味了。我换了一个风尘斑斑的陶罐。
一般瓶子的暗部是不容易画的，主要是颜色不容易画透明，画不好及其容易画脏。
选择“梵高”的熟褐色混合草绿色会很透明。用这种混合色开始画常规的暗部，过度到亮部的时候稍加群青与白色，在最暗部的地方用更深一号的熟褐色混合翠绿。
同样不要考虑罐子上的细节，就和平时写生一样用大色块铺满。铺颜色的时候使笔的方式有讲究，要用“擦”的方法，少用松节油，当然这样会使你的笔很干涩，不过要有耐心，克服一下，至少要比它未来掉色要好吧。
尽量将颜色铺到位，不要留空隙，不要露出画布即可。
画面的黑白灰效果是很重要的，所以我选择铺设了一块常见的镂空白色桌布，使之成为“白”的元素。同时镂空的花纹会使细节上有出彩的效果，当然这样的布画起来是废一些精力的。
首先描绘出花纹的位置和走向，再用熟褐色（仅限此幅画）涂出白布下面那层的暗色投影，作为基础色，以便将来再在上面勾勒白丝线。既先画下面的，再画上面的。
用白色混合群青与少许熟褐来铺白布的基础色，形成冷浅灰色，为将来提亮做准备。注意素描关系，将白布与暗部颜色衔接在一起，涂出模糊效果，避免生硬。
在绘画的过程中联带着要画出边缘效果，这点相当重要。
当最终完成作品的时候你会发现物体的边缘有的部位是虚的，是模糊的，这才能有空气感，会显得很自然，而不是直接画上去的生硬的僵死的边缘，所以必须在第一遍的时候就要提前做处理了。
趁主体颜色未干的时候，用背景色与主体边缘一起画，不用画很多，有一些就可以了。用“擦”和“揉”的笔法将两个物体结合起来。在未来画第2遍的时候（用比第一遍颜色更浅些的颜色）就可以在这个边缘故意留一些第一遍色，这样就出现了阶梯性质的层次，就出现了边缘模糊地效果。
主体完成后开始画背景。
背景被设计成盛开的荷塘，源自一幅中国画，这样既能衬托出残荷的意境，又能符合我的风格，既带有中国古典文化内涵。
既然背景是作为衬托，而且所占画幅也是最大的，但也不能超出主体，所以画的时候要控制好色调和虚实，不能“抢”画面。
再次勾勒出荷塘的轮廓后，用中号的笔从最暗的部位开始铺色，要做到画的每笔颜色都要“足”，不能偷懒似的用大笔大面积铺，而要一小块一块的铺满。要有笔上的颜色很“浓”的感觉，少用松节油。
不必考虑颜色是否太厚，是否有笔触，是否画的“花”，尼龙笔的柔软的特性也不会起多明显的肌理。这个阶段只是为了铺底色，做气氛。
将所有背景铺完，不要将边缘画实，尽量有模糊效果。
第一遍这个时候就算完成了，画面会显得笔触色块都很“花”，这不要紧，本身这就是一个“丑小鸭”阶段。
这个阶段的局部黑白灰效果都不会反差很大，黑的黑不下去，白的白不起来，因为首先是浅色底子，而且仅仅是一遍颜色，各个部分都不可能做到很“足”。
总体已经完成了，耐心等待它的干燥吧。
第一遍绘制用了大概1周时间，等待它的干燥大概也需要1周左右，之后开始第2遍。
1.上第2遍色。
等待多日后画布终于干了，这个时候开始画第2遍颜色。此阶段不画背景。
这遍的主要任务就是深入刻画，将物体的素描和色彩做到完美，但更细小的细节将在第3遍中完成。这遍主要用松节油加亚麻仁油，不用媒介剂，还是在原有基础上直接画。
这个阶段我用了大概半个月的时间。
我仍然是从最左上角的莲蓬开始画，这样不会担心支撑画布的手指蹭掉颜色。画的时候不用考虑下层颜色，心里就认为第一遍颜色不存在，该怎么画就怎么画，当画完的时候你就意识到下层颜料的作用了，它让你刚画上去的颜色一下就重了起来，画笔也感到很舒服，不会画“花”，这时候可以用“扫”的方式将笔触弄得很均，手感极佳。
用小号平头尼龙笔（部分细节用尖头笔）再次勾勒莲蓬的轮廓，同样从最暗的部位开始设色，尽量将颜色调和得与实物接近，这个时候你的颜色不用很鲜艳，略灰些，底层的第一遍鲜艳的颜色会透过来中和你刚上的颜色，产生一种微妙的韵律。而这个感觉是只画一遍的画法体现不出来的。
这是画完这枝莲蓬第2遍后的效果。
细节上的起伏的素描关系和色彩冷暖关系都已经确定好了，这个步骤几乎已经是完成的样子了，你还可以看到没有开始画的粗糙的背景。将莲蓬的边缘用背景色擦虚，模糊一些。
这枝莲蓬的位置在主体靠后的位置，所以应该相对较虚，空间关系要做到心里有数，不必过于深入，要符合前实后虚的基本原则。
画完暗部后用小画刀将暗部颜色轻轻刮掉，将底层色露出来，甚至能露出画布的纹理，这样就使新颜色和底层色融合在一起，又不会因暗部颜色过厚而显得“闷”，透明的效果就出现了，你会觉得暗部很透气，简单但又似乎有内容。
底层颜色由于已经干燥，所以吸油效果更强了，几乎看不到原色了，不去管它，继续勾勒轮廓继续深入塑造。
枯萎的荷叶颜色变化多端，几乎都是冷暖对比的灰红和灰绿，而它们又形成了一个整体有别于新鲜的荷叶。一般干枯的花束都会落上一层尘土，不要弄掉它们，它们会把全部的花朵都罩上一层灰色，这才更有枯萎沧桑的感觉。我也画过不少娇艳的鲜花，但远远没有干花这样的微妙的温润的色彩。
每天有计划的分别画每个部分，一块一块的深入，比如从一片叶子开始推着画，直到铺满整个画面。
陶罐是比较敦厚的质地，上面有很多的肌理，很抽象，开始看它的时候会无从下手，所以还是要从整体的素描色彩关系开始。
用“梵高”的深熟褐混合深翠绿开始画出最重的部位，再将浅熟褐与浅绿调和画过度反光色。这个时候要仔细观察罐子的纹理，横纹和裂纹要画出大致位置和素描关系。运笔这个时候就不是“擦”的方式了，要一笔一笔的“粘”着画，始终保持笔端颜色的浓度。具体的罐子细节要等到最后一遍了，那时候会用笔制作出一些抽象的小效果，而不是硬画出一摸一样的罐子肌理，是需要技巧的。
开始画桌布了。
我想大家一定会对着这样镂空的桌布头疼，其实它只是表面上比较复杂罢了，掌握好画它的方法就容易些了，不过还是要睁大你的眼睛捋清它们的规律。
首先你要明白的是在镂空白布下面还有一层物体，可能是桌子也可能是另外的台布，所以你要先画下面那层露出来的部分，不要顾及上层的白线花纹，这时候画面会很粗糙，甚至显得很笨拙，不去管它，定好底层暗色后再画上层的白布。
如图所示：我在第一遍颜色时就已经定好了下面那层东西，它是暗色的，与白布模糊地衔接在一起。下面就开始第2遍绘制了，用白色直接在暗色底上勾勒出白花纹，一定要明确每条纹路的走向，要严谨。
当花纹都用白色描好以后，用再次加重的深层色去“掏洞”，同时整理修改刚才描的白色，这个过程是严谨耗费精力的。“掏洞”的时候注意色彩变化，不是一块死黑色，要仔细观察明暗变化和虚实关系。
画花纹的时候注意起伏关系，有的白线是有厚度的，可以将边线提亮做出材质的厚度感。
将主体所有的部位都认真画完第2遍，这个时候还没有进行背景的刻画。如果同时画背景及其有可能会被用来支撑画布手指头划掉色。
这个阶段主体基本上已经接近完成效果，局部的最细节的地方还没有刻画。等待干燥，准备最后一遍具体刻画。
上第3遍色。
首先等待上遍颜色彻底干燥，而且颜色已经被吸油了，再次变得灰暗污浊，想进一步刻画根本无从下手。所以必须使用媒介剂了。
将媒介剂倒入容器中，只需要很少的几小滴足矣，用一枝干净的平头笔蘸一滴将它“擦”到你要画的部位，不要多，仅仅是你要画的那一块就可以了，用嘴吹吹，使之挥发一些，变得略黏稠即可，这时候你就可以继续上色了，你会发现它已经把过去的颜色恢复如初了，画的时候你会感觉到新的颜色很容易的就能与过去的颜色结合在一起。
这个阶段是最后的深入刻画阶段，荷叶的经脉，罐子的肌理，莲蓬的果粒等等都是最后精彩的部分。局部的提亮或者加重也都在这个步骤里。
这个阶段加上涂背景一共用了一周的时间。
陶罐的厚重粗糙感都可以用加强素描效果的办法和一些笔触来表现。
我习惯用一些圆点来制造一些特殊的抽象效果，用优质的小号尼龙笔（颜色会稳稳地长时间固定在笔尖上）调和不同的颜色来制造趣味，就像一些符号，用它们的排列组合形成丰富的笔触变化来表现一些很抽象的质感表面。这些“点”有的实有的虚，在特定的部位跳动着，产生出很多有趣的“音符”。我喜欢这样的“音符”，因为它们带有“画”的涵义，而不是机械的超写实的照抄，那还不如去拍一幅照片。
莲蓬的细节很重要，干涩的枝脉，残存的莲子都预示着一种生命，我需要记录它的存在。
用小号尖尼龙笔深入刻画每一个起伏，每一个凹陷，注意里面有丰富的颜色变化，虽然画的是古典的景物，但是当你贴近画布的时候，你应该让人看到如同印象派的颜色在里面跳跃。而它们又都融合统一在这古典宁静的气氛当中。
当主体都已经深入完成后我开始画背景。
从最暗部开始上色，重新勾勒出边缘线条，叶脉也是如此。上色的时候一定要注意画面整体的颜色冷暖和素描倾向，因为背景的面积很大，直接关系到完成效果，也是从局部画起，一开始就要做到整体颜色心中有数（也可以预先做一幅小的色彩稿，预先定好背景颜色）控制好整体背景的颜色倾向和明度统一是关键。
调和到颜色满意后可以多调和一些，以便全过程使用，这样可以达到统一。背景一定要控制到位，不能抢主体，不能很实，黑白对比不要太明显，你要把它当成一整块大颜色来对待，毕竟它只是作为主体的陪衬而已。
背景能影响到整个画面的气氛，不能草率处之。这幅画里的背景是荷塘，物体间都有明确的分界线，所以可以分几天画完。但是当背景是一块整体颜色需要平涂的时候就必须一气呵成，不能分次完成，不然颜色很难衔接。
如何平涂背景的问题总是学生问我的，怎么能把颜色铺得那么均匀？怎么还能保持那么平滑的表面？我在很多年前的时候第一次尝试平涂背景，怎么也涂不均，用刷子刷，太厚，用刮刀抹，更是恐怖，更别说怎么才能涂好主体的边缘了，用刷子和刀子早就把主体给破坏了。
其实方式很简单：50%的松节油加50%的亚麻仁油混合，再用软毛笔，大号的涂大面积，小号的尖笔和平头笔涂靠近主体边缘部分就可以了。
但是手感很重要，力量的轻重和笔端颜料的多少，掺合油的多少都是至关重要的，用笔怎么去“扫”掉笔触，让每一块颜色怎么去衔接更是重要的，没有多次的实践是很难掌握的
在这幅画背景中没有荷叶的部分，我没打算用平涂的方式，因为那样会和荷塘部分不统一，会感觉不像一幅画里的东西，所以用带有色彩变化的方式同时略带笔触。
当所有的步骤都结束后，耐心等待画面干燥，（干燥时间因季节不同还有通风情况而时间不定。）之后喷涂亚光上光油。我用的是“伦勃朗”牌子的，它会有一种将你的画面再次润色的感觉，每个部位颜色都会显得很温润。
直到喷完光油后这幅作品才算是真正的完成了。
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